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Entrevista #MoreBehindTheStar de Heineken: Alberto Vitelio
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El chileno Alberto Ignacio Vitelio Fuentes Gómez, conocido por su marca Alberto Vitelio, es diseñador industrial, profesor de la Universidad Diego Portales y, además, forma parte de nuestro equipo de redactores en la web de JOIA. La cerveza Heineken en su campaña #MoreBehindTheStar nos descubre lo que hay más allá de esta “estrella” del diseño industrial a través de una completa entrevista, así como lo que hay detrás de su estrella roja de 5 puntas. Lo que oculta la estrella colorada son los 4 ingredientes de la cerveza (cebada malteada, agua, lúpulo y levadura única de clase A) y un componente abstracto: la magia en el proceso de producción horizontal que dura 28 días.

La otra estrella es Alberto Vitelio que, con su exitosa colección Linon, logró darse a conocer no solo en Chile sino en todo el mundo. Pero su trabajo evoluciona continuamente bajo un riguroso proceso de experimentación e investigación con materiales, estructuras y conceptos distintos. Alberto Vitelio no solo diseña, sino que construye con sus propias manos (y con cierta ayuda extra si hay que cortar madera, por ejemplo) lo que produce y vende. Cada pieza de mobiliario u objeto decorativo se convierte en una perfecta combinación de arte y diseño, con un objetivo funcional sin perder la atención a los detalles que la hace única. Alberto habla de lo que hace con amor y con pasión, lo suyo no es superficial, es algo que le define. Da gusto leer y escuchar cuando habla de su trabajo…

vitelio_joia
¿Cómo desarrollaste tu gusto por el diseño? ¿Quién o qué fue tu referente o influencia más importante en tus inicios?

Conocí el diseño en el año 2005, tenia 15 años y mi primo me llevó a conocer la Feria Libre del parque forestal, él es medio fanático de los libros y se detuvo en un puesto por un ejemplar en particular, yo me quede pegado con un libro que tenia en su portada una obra de Matta. Tenía un color amarillo bien intenso, me dejó pegado, ahora recordando el momento lo puedo asociar a un recuerdo infantil, a mi adoración por los legos y sus colores, amarillo, rojo y azul.

La revista se llamaba Diseño y era chilena, el chico las vendía a $1000 creo que me traje 5 no recuerdo bien. Cada cierto tiempo las ojeaba, no las leía mucho, me impresionaba la aplicación de color en los muebles y los objetos tan icónicos. Cuando comencé a leerlas se me abrió un mundo nuevo, conocí las diferencias y similitudes entre el arte, el diseño en todas su variantes y la arquitectura. Rayé con todos los iconos de diseño. No me interesaban de quien eran, todos los muebles que me gustaban los recortaba y los metía en una carpeta de láminas, aún deben estar esa carpeta en el entre techo en la casa de mi mamá.

vitelio_joia

Desde chico quise ser arquitecto, pero esta revista hizo cambiar mi perspectiva de lo que quería para mi futuro, decidí hacer diseño de objetos y lo que me encaminaría a ello era el diseño industrial. Se lo comente a mi mamá y me dijo que si era lo que me gustaba, que lo hiciera.

Recuerdo que en el primer año de la carrera conocí el trabajo de Karim Rashid. El plástico es un material que siempre me gustó, pero le tenía miedo ya que es un material poco amigable con el medio ambiente, de igual manera me encantaba el trabajo de Karim, la mezcla de color, el uso del rosado, la ambigüedad de sus productos y las formas orgánicas reflejadas en cada creación. Debo haber estado pegado un año con él, después comencé a valorar lo no tan perfecto y descubrí la artesanía, como la primera etapa de algo que podía llegar a ser perfecto e industrializado (mirada universitaria). El trabajo de Alvar Aalto fue el que mas me influenció, podría decir que hasta el día de hoy, gracias a él entendí que había cierto grado de perfección en la imperfección. También me enseñó que en el diseño no se puede ser cerrado de mente, que una pintura o una escultura puede abrir el camino para realizar un buen objeto o para resolver cualquier tipo de problema. Pasé de un año a otro de admirar a un autor extremadamente superficial a un verdadero maestro.

Te estableciste como diseñador industrial con tu propia marca, Alberto Vitelio. ¿Cómo nace y cuál es el concepto detrás de este proyecto?

Alberto Vitelio nace en el tercer año de mis estudios de diseño industrial. De cierta forma comencé a jugar a hacer las cosas bien, con “bien” me refiero a sin necesidad de tener que generar una identidad propia o marca para un encargo de taller, quería comenzar a dejar un registro profesional de todas mis entregas. Era fanático de la biblioteca, no por leer, si no por ojear los libros nuevos de diseño. Me había hecho amigo de la bibliotecaria y cada vez que llegaba un libro nuevo, ella me avisaba, me lo pasaba y luego lo ojeaba, si tenía algo que me llamara la atención o provocara una emoción agradable o desagradable, anotaba su nombre, al llegar a casa me pegaba a Google para saber más del autor y conocer en profundidad todo sobre su trabajo. Sin duda, un gran beneficio de nuestra generación: el Internet.

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Mi primer proyecto como Alberto Vitelio fue la reproducción de una asta de una Dama en cerámica, era una pieza muy orgánica, pretendía véndelas por montón, pero creo que solo vendí 4. Fue mi primer gran fracaso (expectativa/realidad) el que me ayudó a entender que lo que uno hace debe tener alma, sin ella pasas a ser un tenedor más del hogar, una pieza que pasa desapercibida, esto lo hice antes de titularme.

Después de recibirme como Diseñador Industrial el año 2013, trabajé 3 meses en una empresa de diseño retail, suficiente tiempo para entender que no era lo que quería hacer a pesar del dinero, que no era malo para un recién egresado. Había aprovechado todo los tiempos libres y unas cuantas salidas a colación quedándome en la oficina para bocetar una línea de muebles que quería desarrollar. Mientras más oprimido me sentía, más ganas me daban de hacer algo propio. Cuando pasé al 4to mes al momento de firmar el contrato indefinido renuncié. A los 3 meses mi primera linea de muebles ya no era un boceto, si no que un objeto real, la linea Linon.

Tu colección Linon fue muy bien recibida tanto a nivel nacional como internacional. ¿En qué consiste y en qué se basa esta serie? ¿Cómo fue el proceso creativo hasta llegar al diseño final de cada pieza? ¿Cómo viviste su éxito?

La línea Linon es un juego, no quería hacer una silla de 4 patas, mi padre y abuelo son soldadores y en algún momento nació esta necesidad de aprender a soldar. La primera prueba la hice en alambre de 6mm. El prototipo era inestable pero pude analizar tamaños, ángulos, etc. No tenía mucha plata así que trabajé con los materiales que tenia a mano. Conseguí un tablero de pino y sobre él dibujé las medidas como si fuera un plano, corté cada pieza a mano. Los ángulos de uniones eran pésimos, mis conocimientos en carpintería casi nulos, de todas maneras ya había logrado la pieza de madera, luego encontré una barra estriada, típica de la construcción y soldé el primer esqueleto de la silla, posteriormente fue cambiada la barra estriada por la barra lisa por motivos estéticos, y logré el primero prototipo de la silla y el taburete Linon.

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Mostré esta linea en octubre del 2013, al mes se había publicado de una de las 5 mejores paginas de diseño a nivel mundial, MOCO LOCO. Esta vitrina me abrió las puertas para ser invitado a ferias de diseño en el extranjero como Tent London y Meet My Project, a las que no pude asistir por temas de dinero. Las fotografías eran buenas, pero las sillas y taburetes aún era un prototipo. Sin estas primeras fotografías realizadas por Alexis Mandujado, no habría sido publicada. Esto me ayudó a entender como ayuda la forma en que se muestra lo que haces.

Su éxito lo viví entendiendo que los productos de diseños tienen su ciclo, sabía que no me podía quedar toda una vida esperando que la linea Linon funcionara como el primer año de lanzamiento, es necesario reinventar y entre ejercicio/producto me regaló este primer gran paso en mi proceso.

También exploras materiales como la cerámica o el bronce en objetos decorativos. ¿Cómo trabajas con estos materiales y en qué se diferencia de tu trabajo con la madera?


vitelio_joia

El trabajo constante, es parte de lo que me gusta hacer, siempre miro los proyectos pasados y saco una moraleja importante de cada uno de ellos. Estoy obsesionado con el hacer, todo lo que he hecho siempre ha tenido intenciones exploratorias, aunque en un principio no lo entendí así. Hoy me analizo y esa obsesión por hacer también es una obsesión por aprender. Es como el apasionado por la literatura y su lenguaje perfecto, yo de cierta forma quiero entender los procesos a la perfección y eso me ayuda a descubrir en el camino nuevas posibilidades, errores controlables, algo cercano a la innovación y, lo más importante, mi felicidad por que disfruto bastante este proceso.

La madera se presentó en mi etapa en que estaba enamorado de la carpintería, hoy vuelve en cada nueva etapa, ya sea como una matriz, como un molde, como materialidad y pieza clave del producto, objeto o escultura.

La cerámica la retomé después de que el primer proyecto en esta materialidad había sido un fracaso. En esta nueva etapa integré la funcionalidad y generé una vasija, que por todas sus caras demuestra diferentes personalidades, no es simétrica y su forma nace de un recuerdo del vientre materno. La fundición metálica apareció como una área que no dominaba, se transformó en una etapa de estudio para entender la materialidad y como los artesanos lograban hacer piezas de bronce y aluminio. Estos procesos no tienen mucha diferencia para mi, son solo partes de un proceso de evolución y aprendizaje. El único punto de comparación es que la cerámica y la fundición requiere, son artesanos expertos y mucha maquinaria, que el trabajar la madera, por lo tanto el trabajo en conjunto con el artesanos es el punto diferenciador para mi.

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Has creado otra serie de taburetes a la que llamas Libertad. ¿Por qué el nombre? ¿Es difícil adquirir la libertad creativa frente a las demandas de funcionalidad del mobiliario?

Libertad, la llame así, por que el ejercicio fue el resultado de la libertad literalmente. No pensé en ningún momento si el taburete era ergonómicamente perfecto, no pensé en un usuario, para este ejercicio retrocedí en el tiempo a antes de haberme contaminado de lo perfecto y diseñé como si fuera un cabro chico. Los colores se ven por primera vez reflejados en mi trabajo. Antes no los hacía parte de lo que creaba, sentía que lo perfecto era el material puro, pero tenia la necesidad de generar este pequeño aire de libertad, al fin y al cabo, había conocido el diseño por lo icónico y este ejercicio libre me transportó a jugar, a tratar de hacer algo lúdico.

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Es difícil ser libre al diseñar, ante la demanda mobiliaria, por eso la “Demanda” hace rato dejó de ser un tema en mi trabajo y espero que así se refleje.

A parte de tu trabajo como diseñador también eres profesor en la universidad. ¿Qué valores en relación al diseño industrial les quieres transmitir a tus alumnos?

Sí, un día recibí una llamada de Rodrigo Bravo, quien siempre ha sido uno de mis mayores referentes del diseño en Chile. Es un diseñador muy joven y que a su edad ha demostrado que la tiene clara en todos los aspectos. En la llamada me proponía hacer clases juntos en un taller de diseño industrial para alumnos de cuarto y tercer año en la Universidad Diego Portales. El curso se llama Taller Diseño Local y abarca al diseño desde una temática local, sin hacer como dice el “Chicha y empana” si no que un taller de diseño, que se ve muy influenciado por las materialidades, tradiciones, procesos y recursos que tenemos a mano.

Yo defino mi trabajo como una constante entrega de taller de diseño industrial, donde el profesor quien evalúa y ejecuta son la misma persona, por lo tanto me sentí muy cómodo con el ofrecimiento y acepté de una. Este es mi segundo semestre y ha sido una experiencia increíble. Sin duda el mejor regalo de este 2016, haber recibido esta invitación me da energías ya que posiblemente he estado haciendo bien mi trabajo.

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La experimentación es lo que me apasiona y si bien aún me falta mucho por experimentar, en el taller aporto a los alumnos todos mis conocimientos, no me guardo nada, creo que un trabajo bien logrado habla por si solo. El ser humilde y trabajar bien genera una mejor impresión que mucho hablar y trabajar poco, me encuentro con mucho de esto todos los días. Expongo ante los alumnos mis éxitos y fracasos, siento que de esa manera se entiende mejor el proceso, siempre con la intención de exponer lo feliz que me hace mi trabajo.

Han surgido muchos talleres y cursos para hacer muebles, ¿crees que estamos regresando al gusto por lo artesanal o es solo una moda?

He destacado siempre la importancia de la artesanía en el diseño, en nuestro país la industria es pequeña y limitada. Es casi imposible aprender a hacer vidrio soplado en una empresa inmensa, que solo se mueve por grandes cifras de producción y sobre todo, y más importante aún, altas cifras de dinero. Son empresas donde la mano de obra ha sido cambiada por cientos de máquinas que entregan un producto perfecto e industrializado y que, a diferencia de un artesano, una máquina no tiene como enseñar o explicar un proceso.Creo en la belleza del crear artesanal. Los artesanos se dan el tiempo de entender tus proyectos e inquietudes y aunque muchas veces cueste llegar a un resultado óptimo, dan su 100% para lograr una pieza final.

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No siento que sea una moda, creo que básicamente estamos escuchando a los grandes maestros. El hágalo usted mismo nace de Enzo Mari y su manual de la Autoprogettazione. Sin lugar a duda lo que quería lograr Enzo en este manual era democratizar el diseño y generar cultura, mediante la conexión del fabricante y el objeto final, sin importar si eras diseñador, arquitecto o artista. Esta conexión te hace entender aún más porqué la artesanía no es igual a la industria. El porqué dos objetos producidos por las mismas manos, jamás van a tener un resultado idéntico.

“Lo imperfecto es perfecto”

¿Algún proyecto futuro del que nos puedas avanzar algo?

Acabo de terminar el proceso de experimentación en el área del vidrio soplado para el que observé y aprendí bastante. El resultado es muy íntimo, fue más aprendizaje que un objeto utilitario con la intención de generar una mezcla material. Hace rato que bocetaba estas ideas y cada cierto tiempo retomo este tipo de ejercicios.

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La segunda parte de esta experimentación es la fusión entre la roca volcánica y el proceso de fundición, nuevamente retomando con el bronce, pero incorporando un nuevo material, haciendo así un experimento y no más de lo mismo.

Sigue con nosotros descubriendo el lado B de algunos artistas con las entrevistas #MoreBehindTheStar que publicamos gracias a nuestra gente de Heineken.

Fotos: Paloma Palomino